旋转漂浮的线性“食物链”，来源于雕塑大师亚历山大·考尔德（Alexander Calder）的非凡灵感。这位最早打破约定俗成的鬼马老头，将雕塑从单一的静止中解救出来，敏感、大胆、神秘，一切归功于生命的运动与平衡。 

10个鸡蛋、8颗爆米花、11块胡萝卜切片、16粒棉花糖，在 Evelina 与 Carl Kleiner 二人组创作的“Homage to Calder”（致敬考尔德）的作品里，食物以“浮游”的姿态在空中连接。

"Homage to Calder", Evelina & Carl Kleiner 

线性关系曼妙又暧昧，

推敲出风的样子。

灵感来源当然是这位20世纪雕塑届的革新者，美国极简主义动态雕塑的创始人——亚历山大·考尔德。1952年，考尔德代表美国出征威尼斯双年展，其作品获得雕塑大奖，奠定了他在国际艺术界的地位。

ALEXANDER

CALDER

忽略掉重力的意志，为雕塑发掘出了新的自由秩序。在考尔德的作品里，每一刻的起承转合都在拆解本该令人信服的现实叙事，金属同样能够摇曳生姿，多组盘旋横亘在建筑中的作品都像外太空中的飞船，充满了神秘的仪式感。假若故事能战胜遗忘，雕塑也能挑战静止。

考尔德“Multum in Parvo”（小中见大）展览，2015

从“小铁匠”的创作生涯开始，考尔德一生创作了200多件站立的动态作品。早期的微缩模型“马戏团系列”不仅机械精巧，还暗含着表演性质，马术、空中飞人、驯兽师，甚至是会抽烟与吹气球的小丑都能控制自如，所有动作都是环环相扣的叙事线索，雕塑早已是一种行为。

"Cirque Calder", 1926-1931

1926年抵达巴黎时，考尔德以成为一名画家为目标。当他在1933年离开时，雕塑已成为他意义非凡的创作标签。回溯巴黎的七年，从那些开放式的线性肖像、木质动物雕塑，到三维空间内的立体符号。选择抽象，就是选择一面隐喻的镜子。

“宇宙来自于平衡，附近的星球来自于回声。”在毕赣的《路边野餐》中，时间以非线性的诗意存在着。我们都着迷于那些能自由穿梭的时空旅行，对于考尔德而言，“宇宙是真实的，然而你看不到它，只能去想象，一旦你可以想象，才能考虑复制它。”

那些充满着浪漫主义、未来主义的作品，我们有权利去相信，所有的平衡都来自于足够轻盈，足够大胆的梦境。

"Homage to Calder", Evelina & Carl Kleiner

杜尚曾描绘考尔德的作品为“树与风的升华”，并将其作品定义为“mobile”。利用垂直悬吊的杠杆保持平衡，随着空气中风的流动产生变化。在动与不动之间，与之相对的，是拥有固定基座，但伴随空气而颤动的系列作品，被让·阿尔普称为“静态雕塑”（stabile）。

这些全新的雕塑形态与动力学息息相关，

而一切的技巧都来自“平衡”的释放。

"The S Shaped Vine", 1946

在西方雕塑艺术史上，古典主义曾长时间地主宰着主流的审美模式，宗教象征、图腾崇拜、肖像艺术浓缩了权利的力量。19世纪的时候，雕塑家的手还未曾离开过黏土。20世纪的欧洲，现代艺术以激进的方式勾勒出未来的轮廓。

立体主义在毕加索、布拉克的加冕下发出豪想，在各种先锋派、抽象派以及超现实主义的实验下，动态雕塑开拓出另一种存在的边界。

“Lobster Trap and Fish Tail”（龙虾陷阱与鱼尾）作为 Calder 经典的动态雕塑，目光不再只是停留在二维的形状之上，从白墙上的光影到轻盈的律动。动态雕塑给予了观众参与的权利——你能用不同角度观察那个围绕着它变化的世界。

"Lobster Trap and Fish Tail", 1939

不妨再回想一下那些吊在你儿时婴儿床上的挂饰，那组携带着动态雕塑端倪的玩偶，是所有人最原初的想象。他将我们的星球缩小了，但拓展了无限的时间与空间。

空间不止是一个容器，还是一个事件。在考尔德的创作生涯里，大型的公共雕塑让动态雕塑发挥到极致。1957年约翰肯尼迪机场“125”移动雕塑；1962年意大利斯伯莱托“Teodelapio”；1968年为墨西哥奥运会“El Sol Rojo”（红太阳）；1973年芝加哥总务管理局”Flamingo”等等。

公共雕塑的意义在于与空间产生关系，不仅仅是一种单纯的置放，那些被聚拢的人群才是真正的风景。

"Teodelapio", 1962（上）

"Flamingo", 1973（下）

当重达10吨的“White Cascade”（白色瀑布）放在费城联邦储备银行的大堂中央，同样能轻盈地旋转起来，所有仰望都是一种加赏。

"White Cascade", 1976

考尔德一生中最后的一件大型作品，位于由贝律铭设计的华盛顿国家艺术馆东大楼中。光从天窗中倾泻至这座等腰三角形建筑的中央大厅，天窗架下悬挂的正是考尔德所创作的动态红色翼状装置。

Untitled, 1976

风中那抹血色的红，保持灵动地绽放出强大的张力。红与黑占据了考尔德大量作品的主色调，早期他深受蒙德里安绘画的影响，后来则在自传中回忆起贝鲁特期间设计的彩绘玻璃带来的震撼。色彩在他的作品里达成共识，它们崇尚奔放与自由，大胆地出现在人们的视野里。

假如你再细心观察，“White Cascade”、“Blue Feathers”、“Red Maze III”关于色彩的命题串联起他一系列作品，形成强烈的暗示。

"Red Maze III", 1954（上）

"Blue Feathers", 1948（下）

越接近现实越有可能接近虚假。视觉如果选择了进化，则需要回归到简单的象征里。融入场所，重塑空间，考尔德的雕塑创作是另一种在场所“作画”的能力。

窥视考尔德的工作室会发现，就像他的作品“马戏团”一样，这里充斥着复杂、混乱、童真又被栖息的可能，魔法时刻经常就发生在此与彼之间的拆解与组合。

比起坚固，不可预知才是永恒的瞬间。

撰文 / Ewabr

编辑 / Camille Yuan、Zoey

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